终于！
等了那么久！
终于要来了！
后天！6月9日！
MOMA展终于开始了！
汇集了130年以来的史诗级现代和当代艺术
塞尚、梵高、毕加索、马蒂斯、杜尚、达利、波洛克、罗斯科、布朗库西、爱德华·霍普、安迪·沃霍尔、罗伊·利希滕斯坦、蒙德里安、弗里达·卡罗、乔治亚·欧姬芙、路易丝·布尔乔亚、杰夫·昆斯、奥拉维尔·埃利亚松……
这些名字，以及更多现当代艺术家的作品
在这次展出中你都会看到！
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维多利亚国家美术馆NGV 与
纽约现代艺术博物馆MoMA
强强联手，合力打造史诗级的艺术展！
2018年6月9日至10月7日，NGV与MoMA联合举办的国际交流特展《MoMA在NGV：现当代艺术130年》将在NGV举行，展览将呈现MoMA馆藏中经典的现当代艺术大师作品，将一百三十多年以来的艺术革新脉络彻底梳理一遍。
看展之前，先来了解以下，什么是MOMA
现代艺术博物馆，MOMA（Museum of Modern Art）是一所在美国纽约市曼哈顿中城的博物馆，也是世界上最杰出的现代艺术收藏之一。位于曼哈顿第53街（在第五和第六大道之间）。
现代艺术博物馆目前已拥有馆藏超过15万件个人作品、2万多部电影以及4百万幅电影剧照。其中最著名的作品包括：
梵高：《星月夜》、毕加索：《亚威农的少女》、达利：《记忆的永恒》、莫奈：《睡莲》、马谛斯：《舞》、蒙德里安：《百老汇爵士乐》、塞尚：《沐浴者》、卡萝：《断发的自画像》等。
1929年，MOMA怀着“世界上最伟大的现代艺术博物馆”的愿景于曼哈顿向公众开放，至今已经收藏了来自一万多名艺术家的近二十万件作品，分别归于MoMA六个策展部门：建筑与设计、绘画与版画、电影、媒体与行为艺术、绘画与雕塑以及摄影部门。
此次MOMA at NGV，也是汇集了这六个部分的经典之作，展览遵循时间线，分为8个主题，同时也从艺术与时代的紧密联系中去理解“艺术史”中发生的种种变革和流派。
世外桃源与大都市
Arcadia and Metropolis
从梵高、塞尚到亨利·马蒂斯，以“世外桃源与大都市”作为此次展览的开场，展现了现代艺术的萌芽时期，以及19世纪末到20世纪初的艺术家是如何应对工业的飞速发展和城市的崛起。在这期间，一些对现代艺术有着重要影响的运动开始出现：以巴黎为中心的印象派以及最初从德国开始的表现主义。
文森特·梵高（荷兰，1853-90）
《约瑟夫·鲁林肖像》1889
这幅肖像画是凡高的六个朋友的肖像画之一，鲁林是阿尔勒的邮递员。法国南部的阿尔勒离巴黎15个小时的火车程，梵高在1888年到阿尔勒，希望找到志同道合的朋友，但希望落空了，他在那儿孤独地生活和作画。鲁林一家给他带来温暖和友情，他们也是他很多作品的题材。
在油画《约瑟夫·鲁林肖像》中，鲁林身着他引以为傲的邮递员制服，背景是想象的漩涡花纹。凡高在给弟弟提奥的信中说：“我要用象征性的光环这种永恒的东西来画男人和女人，要用我们着色的响亮和颤动来表达永恒。”
保罗·塞尚（法国，1839-1906）
《有苹果的静物画》1895-98
《有苹果的静物》证明了静物画可以真实地再现实体和表现光线与空间的表象。塞尚说：“描绘自然不是复制对象，它实现了人的感觉。”他坚持关注颜色和质地的特性，不以幻觉为目的。
例如，盘子里水果的边线是不确定的，仿佛在移动。画面中透视的规则也打破了，桌子的右角向一边倾斜，与左边不在一条线上。画面的有些部分没有着色，桌布的折皱像没有画完。《有苹果的静物》不是对实物的模仿，而是对观察角度和绘画本质的探索。
现代世界的机器
The Machinery of the Modern World
随着工业机械化的进程，艺术史上的各类运动、流派开始活跃起来。在“现代世界的机器The Machinery of the Modern World”单元，集合了20世纪的第一个十年间的作品，反映了艺术家对科技的创新与进步的看法。
巴勃罗·毕加索（西班牙，1881-1973）
《建筑师桌子》1912
《建筑师的桌子》作于1912年，是毕加索立体主义的代表性杰作。与此同时，1912年，立体主义运动进入第二阶段，通常称为综合立体主义。此时在画中色彩起了有力的作用，但形体仍然支离破碎，只是更大和更富于装饰性。画家们新创出一种以实物来拼贴画面图形的艺术手法和语言，进一步加强了画面的肌理变化，并向人们提出了自然与绘画何者是现实，何者是幻觉的问题。
翁贝托·薄邱尼（意大利，1882 - 1916）
《空间中连续性的唯一形体》1913
这件雕塑是波丘尼最具雕塑传统、同时又和他的绘画之间最有特定关系的作品之一。作品塑造了一个没有头和手的人形，展示出了人物步行时的连续性。这个昂首阔步的人物，以用青铜雕成的飘然曲面组成，仿佛人体在疾速的前行中向后飘动。曲面的体积没有被实际的人体限制，基本上象是在二度的平面里运动，似乎把绘画的人物转化成了浮雕。波丘尼在创作中采取了动态分析摄影的形式特点，这个形象其实正是站在一定的距离上看到的人的形体的直观感觉，在感性的审美观中是一个十分完整的，有头有手的，正在连续行进中的人的形体。
新融合
A New Unity
“新融合A New Unity”展现了1920到1930年之间的现代艺术进程，讲述了世界范围内不同艺术流派之间相互借鉴、积极创新的过程。艺术家们更多地关注于基本要素，减少了多余的修饰，从而更广泛的表达抽象的概念。
蒙德里安（荷兰，1872-1944)
《组成之红、蓝、黄》，约1937-42
蒙德里安及其荷兰"风格派"，作为一种艺术运动，并不局限于绘画。它对当时的建筑、家具、装饰艺术以及印刷业都有一定的影响。蒙德里安后期，他已完全不画眼睛看见的实物，而把绘画语言限制在最基本的因素：直线、直角、三原色（红、黄、蓝）和三非原色（白、灰、黑）上，称这种画为新造型主义。
柳博芙·波波娃（俄罗斯，1889-1924）
《绘画建筑学》， 1917
柳博芙·波波娃是俄罗斯先锋艺术家（立体主义者、至上主义者、构成主义者），画家和设计家。她同样也是苏联男性至上的艺术界少数的几位女性艺术家之一。她的作品体现着不甘于男权压迫的新时代女性观念。
内部与外部的世界
Inner and Outer Worlds
这一部分主要讲述了20世纪20年代和30年代之间不断发展的超现实主义。艺术家们冲破了正式和理性的束缚，开始同时关注于事物的内外形势。由于第二次世界大战的影响，许多艺术家被迫走出欧洲，其作品们也融合了多种文化的影响。
弗里达·卡罗（墨西哥，1907-54）
《头发散落在地的自画像》，1940
有人说，弗里达·卡罗是墨西哥最伟大的现代女画家，甚至是墨西哥最伟大的艺术家。这幅《头发散落在地的自画像》，是在与丈夫里维拉离婚后不久创作的。弗里达脱下了曾经带给丈夫愉悦的特纳旺服装，穿着不合身的黑色外套，手拿着剪刀，左手是一缕剪落的青丝，同样漫不经心却又咄咄逼人的目光让整个画面充斥着一种愤怒情绪，散落一地的头发丝就像无处不在的绝望。
萨尔瓦多·达利（西班牙，1904-89）
《永恒的记忆》，1931
达利在创作这幅画时也受到了弗洛伊德“潜意识”学说的影响。《记忆的永恒》以袖珍面的技法，描绘了一个死寂般宁静的旷野。平静如镜的海、一马平川的沙滩、荒凉的海岸，以及一个不可能在这个环境中出现的方形台座、一块板、一棵树。面面突出表现了像软饼似的三块钟表和一块没有变形的红色钟表，上面爬满了黑色蚂蚁，方台上一块软表上还歇着一只苍蝇。
作为行动的艺术
Art as Action
如果在过去的几十年里超现实主义代表了一种内省的艺术，那么20世纪50年代就是一个行动时代。“作为行动的艺术 Art as Action”关注抽象表现主义以及动态艺术的理念和作品。正值二战刚刚结束，美国开始成为艺术的中心。他们需要新的艺术理念，新的艺术态度，从艺术形式的根本上向传统发出挑战。艺术的边界再一次拓宽。
马克·罗斯科，（美国，1903—1970）
《No. 3/No. 13》1949
马克·罗斯科是美国抽象派的代表画家之一，他最初的艺术是现实主义的，后尝试过表现主义、超现实主义的方法。以后，他逐渐抛弃具体的形式，于40年代末形成了自己完全抽象的色域绘画风格。马克·罗斯科的艺术注重精神内涵的表达。他力图通过有限的色彩和极少的形状来反映深刻的象征意义。
亚历山大·考尔德（美国，1898-1976）
《雪舞，I》，1948
亚历山大·考尔德是美国雕塑家、艺术家和动态雕塑的发明者。他以创作风格独特的“活动雕塑”和“静态雕塑”驰名于世。考尔德制作的动态雕塑，或是放在室外，或是悬在金属线上，通过空气的流动或者观赏者的摆弄，每动一下都会展现出不同的形态，让观者感觉到空气在流动，空间在转换。
就是这样
Things as They Are
“就是这样 Things as They Are”是展览最主要的组成部分，聚集了20世纪60年代-70年代的艺术作品，从波普艺术到极简主义、后极简主义。艺术家们极大的吸收了当代流行文化，伴随着媒体和娱乐的迅猛发展，艺术开始与生活密不可分。
罗伊·利希滕斯坦（美国，1923-97）
《溺水的女孩》，1963
罗伊·利希滕斯坦作为波普艺术的代表艺术家，李奇登斯坦最著名的就是他的漫画和广告风格结合的绘画，借用当时大众文化与媒体的意象，李奇登斯坦用标志性色调和标志性大圆点（Benday dots）的手法来表现“美国人的生活哲学”，李奇登斯坦曾经说：我试着利用一个俗滥的主题，再重新组织它的形式，使它变得不朽。
安迪·沃霍尔（美国，1928-87）
《玛丽莲·梦露》，1967
安迪·沃霍尔被誉为20世纪艺术界最有名的人物之一，是波普艺术的倡导者和领袖，也是对波普艺术影响最大的艺术家。安迪·沃霍尔透过丝网印刷手法和不断重复影像，将人物化成视觉商品,其中《玛丽莲·梦露》就是他的代表作品之一。
浩瀚的百科全书
Immense Encyclopedia
20世纪80到90年代，大众的物质消费进入繁荣期，艺术也更加的大融合，每个人的个体意识也逐渐增强，挪用艺术和对身份问题的叩问成了艺术界的新话题。这一部分把现代艺术史和我们的距离拉得更近。
辛迪·谢尔曼（美国，1954-）
《无名131》，1983
辛迪·谢尔曼是美国著名的现代艺术家和摄影艺术家。《无名131》属于辛迪·谢尔曼创作的第一个重要系列《无题电影剧照》。作品套用了20世纪50年代的电影黑白效果，塑造了一系列感人的女性形象。
杰夫·昆斯（美国，1955-）
《新型谢尔顿湿/干双层车》，1981
杰夫·昆斯是美国当代著名的波普艺术家。他毫不犹豫地汲取了艺术史上的一切养分，达达主义、杜尚手法、极少主义以及早期波普艺术都成为他参考与借鉴的源泉。他高举与大众交流的大旗，勇于向"高雅"文化叫板，向传统美学的等级理念挑战。
飞翔的图案
Flight Patterns
“飞翔的图案 Flight Patterns”这一单元汇集了当下最热的艺术运动、移民话题、全球化话题等作品，艺术走到当下，在以滚烫的温度介入社会的方方面面。在当下，每一个人都从未如此独立过，也从来没有如此紧密相连。艺术在上空，编织不同的连接方式。
栗田穣崇（日本，1972-）
《Emoji》， 1998–99
Emoji 几乎以无可争议的事实彻底征服了这个星球，席卷了所有不同文化人群。而栗田穣崇就是Emoji的创造者。他创造了176个12px*12px 的象形字符，覆盖人类所有表情，这也就是当下Emoji的“祖先”。
艾尔·安纳祖（非洲加纳，1944-）
《流血的塔卡里II》，2007
艾尔·安纳祖出生于加纳，是目前在世且依旧有从事艺术创作中最重要的一位非洲艺术家。他被认为是变废为宝的艺术大师，非洲艺术家的典范和骄傲。他的作品都是巨大幅的创作，其中使用了大量切割加工后的金属废弃物品，有很强的视觉冲击力。又有因垂挂而呈现的褶曲,更加表现艺术家细腻的一面。他的作品经常挂在墙上展示，闪闪发光，幻惑着观者的视听感官。
*部分资料来源于网络
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